en mi opinion fue una buena experiencia ya que por si me quisiera dedicar a escribir para las personas puedo usar este metodo y aprender cosas nuevas es bueno porque aunque creas q no te servira, en cualquier momento lo podras necesitar.
algo bueno de esto tambien es que lo pudimos hacer con nuestros amigos, aparte de que nos dejaron coger un tema libre de lo que quisieramos y asi poder expresarnos mejor, porque es de algo que nos gusta.
Creo que hacer un blog me a ayudado mucho a aprender a expresarme y disfrutar haciendolo , aprendi a desde hacer una entrada hasta poner encuestas , reloj , calendario y demas en mi blog , tambien tuve la oportunidad de escribir en el blog de un amigo , fue una experiencia muy buena , me encanto .
Cuando tu laringe se desacomoda viciosamente, esto es que tus musculos del cuello y maxilar la suben o bajan excesivamente, se produce un ahorcamiento de la misma y el resultado es un sonido distorsionado. (ver video)
Este inconveniente genera entre otros problemas mas:
desafinación,
tono desagradable,
demanda de demasiado esfuerzo para cantar,
afonía,
y un quiebre de la voz evidente en quienes no logran tener la fuerza para hacer el belting, o, lo que es lo mismo empujar la fuerza del pecho hasta el registro de cabeza o notas altas.
En otras palabras mas simples, es gritar la nota.
Es el típico cantante al que escuchas y piensas: Este tipo no canta…grita!!! Y te duelen los oídos tanto que te dan ganas de decirle que se calle, no porque seas mala gente, sino porque duele escucharle.
2. Falta De Compresión.
Este problema ocurre cuando por múltiples razones tales como el pánico o la falta de fortalecimiento de los musculos aductores de la laringe, las cuerdas vocales pierden cierre y el aire pasa a ‘bocanada’ produciendo un tono ‘desconectado’ de tu voz de pecho. (ver video)
Este tipo de quiebre de la voz curiosamente puede suceder a la inversa, y lo vemos en personas que cantan con voces sumamente ventiladas.
3. Ausencia Del Resonador De Faringe.
El quiebre que es probablemente el mas complejo de corregir, está ligado a la falta de uso del resonador de faringe (no oral, sino nasal)en uno de los dos registros principales, ya sea el pecho o la cabeza.
En este caso escuchamos voces que suenan como huecas, o sin brillo, opacas ya sea en las notas agudas o graves. (ver video)
En ese caso cuando debe suceder la mezcla, o transición, o passaggio, se produce un quiebre de la voz.
4. El Uso Del Cuerpo Para Compensar Una Tecnica Inadecuada Al Cantar.
Si te miras en un espejo, no te vas a poder mentir. Espejito, espejito, quien es el mas bonito al cantar!!! Jaja.
No, ya hablando en serio, el espejo no te va a mentir puesto que vas a ver la tensión mostrarse en tu lenguaje corporal al cantar.
En el video me ves como levanto la cara al cantar. Por supuesto lo estoy exagerando, pero te sorprenderías de ver gente que lo hace tal cual como lo ilustro en el video.
Si tu cuerpo se tensiona, y levantas tu rostro aunque sea moderadamente, tu laringe va a hacer lo mismo.
Es por esto en muchas ocasiones les recomiendo a mis alumnos inclinarse un poco hacia delante cuando sientan que viene una nota alta y se van a tensionar.
En otras palabras atacamos el problema con lo opuesto.
1. La voz. Una persona con serios e irremediables problemas de voz no tiene muchas probabilidades de entrar a una academia, a menos que se convierta en mimo o se ayude de otras cualidades para ejercer su profesión. Esto no quiere decir que los mimos no sean actores o que no poseen una buena voz, ellos han preferido convertirse en mimos por su propio gusto, pero en las escuelas que cuentan con un número determinado de posiciones, el jurado no seleccionará a un aspirante afónico pudiendo escoger a otro que tiene su voz en excelentes condiciones. Tu voz debe de ser clara, precisa y que se escuche lo que dices, que llegue a todos los que se encuentra en una sala sin importar la distancia, no tiene que ser perfecta, en definitiva estas allí para aprender a mejorarla y ha convertirla en una mejor herramienta de comunicación
.2. Condiciones Físicas ¿A quién crees que el jurado elegiría entre un gordo y un flaco, entre un fortachón y un debilucho? Un actor es como un lagarto que cambia de piel constantemente y debe ser capas de transformarse una y mil veces. Si es necesario adelgazar o engordar, el actor tiene que estar dispuesto a lograr ese cambio. Tan malo es estar fornido, a tal punto que apenas puedes moverte o girar, como no tener un tono muscular apropiado. En el teatro, un actor puede cambiar su físico con la ayuda del vestuario y elementos teatrales, pero esto exige que el actor tenga un cuerpo flexible para adaptarse al personaje. Las películas, a diferencia del teatro, requieren gran realismo, por ello un director busca a un actor por un prototipo determinado. Pero las condiciones físicas van más allá de la apariencia que pueda inspirar a un director para darte el personaje de Don Quijote de La Mancha o el avaro de Moliere. Un actor debe de tener un cuerpo ágil y en total dominio. Aunque sea delgado o grueso, debe de impedir que su condición se convierta en una limitante.
3. Imaginación y creatividad De más está decir que son las herramientas de cualquier artista, sin ellas, no lo eres. Cualquier artista que observa la realidad que lo rodea y decide representarlo, busca a través de la imaginación un lenguaje, una forma de decir lo que siente y lo que debe mostrarle al público. La creatividad es un don individual, nadie puede copiarla ni tampoco imitarla porque se produce de acuerdo a la imaginación de cada individuo. Cuando se realiza en la playa una competencia de castillos de arena, el premio lo gana el concursante que haya creado el castillo más admirable.
4. La lectura
Es muy posible que a la hora de hacerte un examen, el jurado te pida leer e interpretar un cuento, una poesía. El teatro parte de un texto dramático que es la base de un montaje, de igual forma la radio, la televisión y el cine tienen un guión por el cual se estructura y se erige la obra que mostrarán al público. La lectura es parte indispensable no solamente del actor, cada integrante del equipo tiene obligatoriamente que interpretar, analizar y desarrollar la idea que propone el escritor. En cualquier audición para entrar a una academia de arte dramático, la primera pregunta que te harán será la siguiente: ¿Qué libros has leído? De tu respuesta dependerá la impresión que se llevará de ti el jurado, porque si no tienes hábito de lectura y nunca has leído un libro pues, ¿qué sentido tiene que entres al teatro cuando todo se basa en la interpretación? ¿Cómo puede un actor trasmitirle las emociones al público cuando ni él mismo ha comprendido lo que el autor ha querido decir en cada línea del texto? Como ves, es un problema con soluciones y se resuelve leyendo.
5. Sentimientos Internos Todos tenemos sentimientos, no he mencionado nada que el resto de las personas no tengan, pero a diferencia del resto de las personas, el actor es una máquina de emociones que juega con sus estados de ánimo. Cuando alguien pierde a una persona querida se pone tan triste que el corazón se le parte, pero el tiempo puede aliviar esas heridas. En el caso de un actor, las heridas nunca cierran. Los recuerdos, las buenas y malas noticias se guardan hasta que llega la hora de mostrarlas. Es un poco masoquista el trabajo del actor, ¿no crees? Pero más adelante tocaré nuevamente este tema y te enseñaré las herramientas de las que un actor se vale para controlar esas emociones de la misma forma en que se cierra y se abre la caja de Pandora. A lo que me refiero ahora es que un jurado, descartará a quienes no sientan la necesidad de expresar esos sentimientos, a quienes no recurren a ellos para vivirlos nuevamente.
1.1- ELEGIR LA OBRA. SE RECOMIENDA QUE DEBE SER DE AUTORES CONSAGRADOS. Nuestra dramaturgia es pobre, lo es más el teatro escolar. Pocos autores jóvenes se dedican a esta bella actividad. Los consagrados, que ya pertenecen a las anteriores generaciones. Prácticamente ya no escriben ni publican, por eso en el mercado se encuentran pocos textos en circulación., se dejó de propiciar los concursos do teatro escolar. La obra elegida debe ser bella, trascendente, que interese a las mayorías y sobre todo a nuestros actores y a nuestro público, de igual modo su montaje debe ser estéticamente bien presentado; es la única seguridad de que ese público volverá tantas veces convoquemos.
1.2- TRATAMIENTO DE LA OBRA. Todos los estudiantes que van a actuar deben tener sus libretos. Luego se empieza con la lectura e interpretación de los mismos, debate sobre los contenidos y el mensaje, finalmente determinar y estudiar la caracterización de los personajes.
1.3- PREPARACION DE LOS ACTORES. Paralelo al tratamiento de la obra se empieza a preparar a los actores, conscientes que como toda actividad el cuerpo del actor debe estar bien entrenado y preparado para que le permita representar a cualquier personaje. También debe conocer los secretos del escenario y del movimiento del actor en las tablas, por ejemplo, no dar la espalda al público, saber manejar los movimientos de las manos y los pies, control de los movimientos. Indebidos, robar cámara etc . -Preparación física del actor. Que conozcan todas las articulaciones de su cuerpo, para lograr la plasticidad y la creatividad del actor. -Preparación psíquica del actor. Ejercicios de desinhibición improvisaciones, creatividad. Un actor desinhibido puede cantar, recitar, reír, llorar. -Preparación de la voz: Buena dicción, entonación, vocalización. El público rechaza actores tartajeantes, balbuceantes, seseantes etc. Hay ejercicios como el desarrollo de las notas musicales que va de lo más grave a lo más agudo etc. Ejercicios para una buena respiración. Aprender pequeños poemas o las letras del “Himno Nacional” y que lo diga en forma triste, alegre, alarmado etc. con una sola aspiración de aire y que la vaya soltando en forma controlada. - Ejercicios de memorización. Aprender textos y fragmentos y procurar retenerlas. Como diría Facundo Cabral, la mejor arma del artista es su memoria.
1.4- ESTUDIO DE LOS PERSONAJES A- Todos los personajes que van a ser representados tienen cualidades diferentes a los demás. Esta diferencia puede dame en lo económico, en lo social, en lo cultural, en la edad, en el sexo, etc B- Para Stanilavski los actores deben reproducir las características del personaje que van a representar, si por ejemplo el personaje fuese un loco, él recomienda ir a un hospital de enfermos mentales y estudiar el comportamiento y las actitudes de esas personas y reproducirlos en el escenario. C- Brecht, propone el estudio del personaje no para identificarse con él sino para que cerebralmente el actor lo represente. Debe haber un distanciamiento entre el público que ve una obra y que debe ser consciente que está en una sala de teatro, frente al espectáculo que se le ofrece.
1.5- CONOCIMIENTO DEL AMBIENTE FÍSICO DEL TEATRO Todo director debe conocer los ambientes físicos del teatro, sean convencionales (boca, telón foro, corbata, Teatro circular, semicircular etc. en donde los actores deben moverse según las circunstancias. Se habla incluso de la poesía del espacio,: que, en esencia consiste en el manejo equilibrado del espacio. Las circunstancias determinan el lugar, por eso se puede hacer teatro en el patio de le escuela (semicircular o circular) y la falta de acústica se resuelve ahora con el uso de micrófonos etc. Lo importante es que el actor se mueve siguiendo pautas universales del desplazamiento del actor.
1.6- PROCESOS DEL ENSAYO a- TRABAJO DE MESA- Se lee y relee el texto seleccionado, interpretando el mensaje del autor, el significado de cada tema, palabra, frase, oración, signo semiológico etc. b- ENSAYO DEL PROCESO DE LA ACCION DRAMATICA. Reconocer los conflictos dramáticos y las contradicciones. - Ensayo de marcación de movimientos, que el actor debe respetar. - Ensayo de composición de personajes, desde el punto de vista físico, social, económico, psíquico etc. (Representar a un personaje) - Ensayo y utilización de ayudas e instrumentos auxiliares del teatro como las luces, vestuario, utilerías, sonido, escenografía, etc. Publicidad es necesario hacer propaganda para una presentación teatral.
La dramática historia del amor prohibido entre jóvenes de familias rivales, Romeo Montesco y Julieta Capuleto. Frente a las miles de adversidades que su amor les presenta, los jóvenes enfrentan las presiones de la rivalidad para finalmente ser derrotados por la desdicha.
Otra brillante obra del dramaturgo inglés y una de las más leídas, Hamlet retrata la locura que deviene de la venganza, con una pizca de dolor, ira, traición, incesto y corrupción moral. Una de las obras que más críticas ha generado desde que fue compuesta (1599-1601) con un final trágico y lúgubre.
3. “El sueño de una noche de verano” de William Shakespeare
Continuando con su dominio de las primeras posiciones del ranking, Shakespeare compone estacomedia romántica y clásica de la literatura teatral mundial que narra una la historia de 2 parejas de amantes sumidos en un mundo de fantasía, magia, sueños y comicidad.
4. “La Celestina” de Fernando de Rojas
Es una de las obras más reconocidas del teatro, donde se retrata un violento amor entre Calisto y Melibea, ofuscado por las siniestras tramas de la Celestina y los sirvientes de Calisto,Sempronio y Pármeno. Elaborada en 1499, este clásico sentó los cimientos de la novela y el teatro que hoy conocemos.
Un drama romántico de 1844 donde el protagonista logra el perdón divino y se salva del infierno gracias al amor que profesa porDoña Inés, cosa que en versiones anteriores no ocurría. Es una obra especialmente popular durante la primera noche del mes de noviembre.
6. “La vida es sueño” de Pedro Calderón de la Barca
La obra gira en torno a la libertad y las decisiones que cada uno toma. Se incorporan conceptos religiosos de diferentes credos y la influencia de la legendaria Alegoría de la Caverna de Platónes amplia y explícita. El protagonista, Segismundo, vive en completa oscuridad en la cárcel de su mente y desconocimiento personal y alcanza la iluminación sólo al descubrirse y atesorarse a sí mismo.
Esta tragedia retrata la vida de luto de la viuda sexagenaria Bernarda Alba y los lazos con sus 5 hijas. Una obra colmada de fanatismo religioso, conservadurismo, la castidad y el temor a la intimidad, en este clásico subyace el odio, la envidia, la ambición y el poder jerárquico.
Se trata de una de las obras literarias más significativas e ilustrativas de la historia de la humanidad, y su prosa es una de las más leídas en el mundo. Adaptada al teatro, en esta obra Dante Alighieri retrata el su paso por el purgatorio, infierno y paraíso para encontrarse con el amor de su vida, Beatriz. Pese a las miles de adversidades y tragedias que experimenta, Dante denomina a la historia comedia porque su final es feliz.
Hola! Aquí vuelvo con entrada nueva. El teatro es una maravillosa forma de arte; permite transportarnos a otras épocas y transformar nuestra personalidad. He aquí algunas curiosidades sobre este tema:
En Grecia, los actores, que eran ciudadanos, gozaban de una posición social privilegiada; esa posición iría decayendo hasta llegar a ser despreciados e incluso perseguidos, especialmente en las sociedades en las que el teatro perdió su carácter sacro.
En el siglo XVII se empleaban máquinas para fingir el vuelo, cuyos motores estaban dispuestos en los telares, o las trampas para la aparición o desaparición de un personaje o un objeto.
Las máscaras eran elementos imprescindibles en las representaciones teatrales de Grecia y de Roma.
Tanto la máscara de la tragedia como la de la comedia presentaban enormes bocas que según algunos les servirían a los actores como altavoz.
En el siglo XIX si el director de la sala quería decirle a la actriz que su contrato sería renovado, le enviaba rosas.Si eran claveles los que mandaba, significaba que la artista pasaba a ser desempleada.
En el teatro isabelino británico a los actores, tras una buena actuación, se les arrojaban monedasal escenario; los intérpretes, entonces, se arrodillaban y «rompían la línea de la pierna» para recogerlas.
Se dice que el color amarillo da mala suerte porque Molière, el autor y actor francés, murió en febrero de 1673 por tuberculosis, representando su obra El enfermo imaginario vestido de ese color.
El color púrpuraes tabú para muchos artistas italianos: en la era medieval durante el periodo de la cuaresma (los sacerdotes se vestían con capas o túnicas moradas), estaban prohibidos los espectáculos teatrales y, por lo tanto, actores y saltimbanquis estaban obligados a cesar sus actividades. Se sabe que en el Teatro Regio de Turín grandes artistas (Pavaroti fue uno de estos) han cancelado sus actuaciones debido a que el techo de dicho teatro es de color morado.
Se dice que dejar una escoba en el escenario barrería la buena fortuna de cualquier espectáculo.
La obra Macbeth de William Shakespeare es un gran tabú en el mundo del teatro. Con sólo nombrarla en las inmediaciones de un teatro se invoca la mala fortuna Por eso hasta los técnicos (sobre todo los anglosajones.) le dicen “la obra escocesa” o “la obra del Bardo”.
Nueva York conserva los títulos de mayor cantidad de asientos de teatro en vivo per cápita (por cabeza), la mayor cantidad de teatros en el área y la mayor cantidad de conciertos sinfónicos por año.
El Teatro alla Scala de Milán se construyó en 1776 en el lugar que ocupaba antes la iglesia Santa Maria alla Scala, que dio su nombre al «templo de la ópera», inaugurándose con «L'Europa riconosciuta» de Antonio Salieri. La temporada se inicia el 7 de diciembre, día de San Ambrosio, santo patrón de Milán. Entre los grandes directores se citan a Arturo Toscanini, Gianandrea Gavazzeni, Riccardo Muti y Daniel Barenboim. En el centro de Milán, deténgase en la plaza della Scala, junto al monumento a Leonardo Da Vinci y contemple su fachada imaginando oír las notas de Verdi o Puccini.
Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina
Uno de los teatros de ópera más importantes del mundo por su tamaño, calidad y trayectoria. Es uno de los mejores teatros para la ópera por su espectacular acústica, y ha sido desde siempre venerado por el público y por los más grandes artistas. Fue inaugurado el 25 de Mayo de 1908 con «Aída», de Giuseppe Verdi, después de haber estado en construcción durante casi 20 años. A pesar de los problemas que ha atravesado sigue siendo una de las mayores bellezas de la Ciudad de Buenos Aires. Todos los días se ofrecen visitas guiadas.
Wiener Staatsoper, Viena, Austria
La Ópera Estatal de Viena, que hasta 1920 se llamó Ópera de la Corte de Viena, es una de las más importantes compañías de ópera mundiales. Fue inaugurado el 25 de mayo de 1869 con la ópera de Mozart «Don Giovanni». El edificio neorrenacentista fue criticado, para luego convertirse en orgullo nacional que suele manifestarse al declarar a Viena «capital de la música».
STMchsische Staatsoper Dresden, Alemania
La Semperoper, Ópera estatal sajona de Dresde, se considera una de las joyas de la arquitectura teatral del mundo. Inaugurado en 1841, fue recreado dos veces más, la última, tras el bombardeo de la ciudad en 1945, y reconstruido hasta el último detalle y reabierto en 1986. En este teatro se estrenaron algunas de las mejores óperas alemanas, tres de Richard Wagner y la mayoría de las de Richard Strauss.
Opéra National de Paris, Francia
«La Ópera», que está en el Palacio Garnier, por el nombre de su arquitecto, es uno de los edificios más característicos del IX Distrito de París, fue fundada por Luis XIV en 1669 para difundir la ópera francesa. Por su belleza ha aparecido en varias películas. El Palacio y las cuevas subterráneas fueron lugares donde transcurre lo que Gastón Leroux narra en «El fantasma de la Ópera», que dio lugar a un musical y varias películas. Es uno de las puntos de atracción del turismo.
Gran Teatre de Liceu, Barcelona, España
«El Liceo» («El Liceu», en catalán) considerado uno de los más importantes teatros de ópera del mundo, está en la avenida más famosa de Barcelona: «Las Ramblas». Es escenario, desde hace más 150 años, de grandes óperas interpretadas por los mejores cantantes del mundo. Este admirado espacio pasó de convento a Liceo de música y de allí a gran teatro del mundo, y por décadas fue lugar de cita de la aristocracia y la burguesía catalanas.
Bolshói Teatro, Moscú, Rusia
El Teatro Bolshói (grande, en ruso) es tanto un teatro como una compañía de teatro, danza y ópera fundada en 1776 por el príncipe Piotr Urúsov y el empresario inglés Michael Maddox, siguiendo órdenes de la emperatriz Catalina II. El teatro actual, construido sobre el anterior, que se incendió, es, después de La Scala, el mayor de Europa. Su fama mueve multitudes y los artistas sueñan pisar su escenario.
Royal Opera House, Londres, Inglaterra
Al Teatro Real de Ópera, sede de la compañía real de ópera y el ballet real de Inglaterra, también se lo conoce como el Coven Garden por el barrio donde está. Su primer edificio se inauguró en 1732 y el actual es una remodelación concluida en 1990. Por su sala han pasado los más consagrados directores, y los más importantes artistas del mundo.
La Fenice, Venecia, Italia
La Fenice (el fénix) es uno de los teatros de ópera más famosos del mundo. Allí se han estrenado muchas de las óperas italianas más conocidas. Cuando en 1774, el Teatro San Benedetto, el teatro de ópera más importante de Venecia con más de 40 años de historia, fue destruido por un incendio, el nuevo teatro fue nombrado La Fenice para honrar el resurgimiento de la compañía, primero de sus cenizas, y luego de su mudanza. En ese teatro estrenaron obras Rossini, Bellini, Donizetti y Verdi, entre otros.
Metropolitan Opera House, Nueva York, EE.UU.
La Ópera del Metropolitan, o «El Met», está en el Lincoln Center de Nueva York. Es uno de los más importantes del mundo, con un elenco de estrellas internacionales. Fundado en 1880 fue variando de sede, pasó de estar en Broadway al Upper West Side en 1966 con un diseño moderno, innovador, y el auditorio más grande de su tipo en el mundo, con un aforo de cerca de 3.800 butacas. En la sala de ingreso hay dos inmensos murales de Marc Chagall. Su historia se desarrolla por épocas de oro en que han reunido a los más grandes creadores, directores, músicos y artistas del mundo.
